Mohamed Chniti and Meriem Bouajaja form an entity with two heads, a body in perpetual metamorphosis in a virtual universe and therefore suspended from any social and historical context. Two beings, like us, appear without really knowing where they come from, who they are, or what they have to go through. Photo Mohamed El Charkaoui

S'il manque d'expérience, le novice est-il pour autant porteur d'innocence ? Mohamed Chniti et Meriem Bouajaja forment une entité à deux têtes, un corps en perpétuelle métamorphose dans un univers virtuel et donc suspendu de tout contexte social et historique. Deux êtres, à notre image, apparaissent sans trop savoir d'où ils viennent, ni qui ils sont, ni ce qu'ils doivent traverser.  Photo Mohamed El Charkaoui

Belfort

VIADANSE

NO VICE 

NOVICE

Cyrinne Douss uses storytelling as a way to explain her dual identity. Ten years after the Tunisian revolution, the question of identity keeps coming back like a boomerang. Since speech liberates, Cyrinne uses words, song and dance to express and relate a unique presence in the world and to act in resistance. Because the stage is the place of all possibilities, she sees this space as that of affirmation, reconciliation, transformation and liberation. Photo Christine Dumas

Cyrinne Douss ose la forme du récit pour narrer son métissage.  Dix ans après la révolution tunisienne, la question identitaire revient sans cesse comme un boomerang. Puisque la parole libère, Cyrinne passe par les mots, le chant et la danse pour exprimer et raconter une présence au monde singulière et faire acte de résistance. Parce que la scène est le lieu de tous les possibles, elle envisage cet espace comme celui de l'affirmation, de la réconciliation, de la transformation et de la libération. Photo Christine Dumas

I'm not White

Je ne suis pas Blanche

Three blind human shapes topped by a giant eye, fitted in a hat made of newspapers, where fresh headlines can only be guessed, as words are hard to read. Time expands and eyesight blurs, giving way to dizziness and loss of control. For their first show written together, Moad Haddadi, Chourouk El Mahati and Mohamed Lamqayssi sketch a poetic universe where references merge.

Trois silhouettes aveugles et surmontées d’un œil géant. Trois silhouettes coiffées de papier journal, où les nouvelles fraîches se devinent, saturées et illisibles. Le temps se dilate et la vue se brouille : c’est le vertige et la perte de contrôle. Pour leur premier spectacle écrit ensemble, Moad Haddadi, Chourouk El Mahati et Mohamed Lamqayssi esquissent un univers poétique où les repères se confondent. 

D DAY

JOUR J

Inspired by the eternal movement of the stars, Compagnie Linga's new production seeks a collective harmony, a world where bodies merge in the search for a new alloy and space, creating relationships so intense that emotions are shared, understood, felt by all. Everyone finds, in the simultaneity of the movements, the place for the maximum deployment of the senses. Rotations, revolutions, conjunction of trajectories and geometries, the dancers invent new scenic orbits, carried by a music expressly composed for the piece and interpreted on the stage by the duo l'Ombre de la Bête. Photo Gregory Batardon

En s’inspirant du mouvement éternel des astres, la nouvelle production de la Compagnie Linga part à la recherche d’une harmonie collective, d’un monde où les corps se fondent dans la quête d’un nouvel alliage et espace, et les relations si intenses que les émotions sont partagées, ressenties par toutes et tous. Chacun trouve, dans la simultanéité des mouvements, la place pour le déploiement maximal des sens. Rotations, révolutions, conjonction de trajectoires et de géométries, les danseurs inventent ainsi des nouvelles orbites scéniques, portés par une musique expressément composée pour la pièce et interprétée sur la scène par le duo l’Ombre de la Bête. Photo Gregory Batardon

Lausanne

Cie Linga

Cosmos

“Heroes- Surface of revolution” questions the body as a medium of influence that is mediatized through the image of itself.
Is it power that creates the image within us? Or is it rather we, masses thirsty for leaders, who create and maintain it? How does someone’s body become a symbol of power? How, by the body’s own fall, is the fall of power announced? Heroes become “accessible” and more easily identifiable as their bodies resemble ours more and more. Is this not an illusion? Photo Greg Demarque


"Heroes- Surface of a revolution" questionne le corps comme medium d'influence, le corps médiatisé, l’image du corps.                                                                                                        Est-ce le pouvoir qui crée en nous son image ? Ou bien nous, ces foules assoiffées de chefs, la créons et l’entretenons ? Comment devient le corps d’une personne symbole de pouvoir ? Et comment, par la chute de ce corps, s’annonce la chute de ce pouvoir ? 
Le héros devient « accessible » et plus facilement identifiable. Son corps ressemble de plus en plus au notre. N’est-ce pas une illusion? Photo Greg Demarque


Beirut

Khouloud Yassine

Heroes - Surface of a Revolution

Heroes- Surface of a Revolution

Morning Coffee with Khouloud Yassine talking about her performance  “Heroes- Surface of revolution” that questions the body as a medium of influence that is mediatized through the image of itself. We want to know more and discover things about Khouloud's character, her work experience. An enjoyable and intimate moment away from the spotlights. Photo Pixabay

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Morning Coffee avec Khouloud Yassine est une conversation avec l’artiste autour de sa performance «Heroes-Surface of revolution» qui interroge le corps comme moyen d'influence médiatisé à travers l'image de lui-même. On veut en savoir plus et découvrir des choses sur le personnage de Khouloud, son expérience de travail. Un moment agréable et intime loin des projecteurs.

BIPOD

Morning Coffee with Khouloud Yassine

This talk is intended for choreographers and performers who intervene or have a project to create for and in public spaces. In an open discussion, moderated by Frédéric Seguette, everyone will be able to share their experiences, their perspective, their thoughts and their questions. The discussions will be introduced by recounting the concrete and unique experiences of Anne Le Batard, Lassina Koné and Mohamed Fouad.

Ce temps de rencontre professionnelle est destiné aux chorégraphes et interprètes qui interviennent ou ont pour projet de créer pour et dans les espaces publics. Dans un format de discussion ouverte, animée par Frédéric Seguette, chacun pourra évoquer son parcours et partager son regard, ses réflexions, ses questionnements. Les échanges seront introduits par le récit des expériences solides et singulières d’Anne Le Batard, Lassina Koné et Mohamed Fouad.

In-Situ Choreographies: Questioning the Body in Motion

Le Corps en Jeu dans les Écritures Chorégraphies In-Situ

Migrations of bodies, imagination, techniques, ideas, the artistic purpose of Border_line develops on several scales : how do we inhabit the space around us, how do we break walls, how do we question the relationship to the group and to the other, how do we develop the sense of ownership of a shared space? All these questions create tensions, obstacles and conflicts... These topics relate to the inner space and mind, and question one's internal conflicts. Is there room for privacy within the Moroccan society, in which the individual is under constant scrutiny? Do bodies create barriers for themselves? Photo Anania

Migrations des corps, des imaginaires, des techniques, des idées, le propos chorégraphique de Border_line se développe à plusieurs échelles : dans la prise de l’espace, le franchissement des murs, dans l’interrogation du groupe et du rapport à l’autre, le partage et l’appropriation d’un espace qui soulève tensions, empêchements et conflits... Ces sujets ramènent à l’intime et ce sont les empêchements intérieurs qui sont questionnés. Dans une société marocaine où l’individu est sous contrôle, que reste-t-il de l’intimité? Quelles barrières les corps s’imposent-ils? Photo Anania

Border_Line

In this talk, the artists will share their experience in putting up a performance dealing with the Ephemeral and then carrying in their performing bodies the aftermath of the Beirut Explosion, a year of uprising and shattered social references. Photo Malek Fleifel

Dans cette discussion, les artistes partageront leur expérience dans le processus de création d'une pièce questionnant l'éphémère, puis de leur experience à  porter dans leurs corps d'interprètes les séquelles de l'explosion de Beyrouth, une année de revolution et de références sociales brisées. Photo Malek Fleifel

Corinne Skaff

Evoking the Ephemeral

“A’alehom” is a solo performance that tells a story of loss, pain, physical abuse and revolt.
It is about overcoming obstacles and shedding victimhood. Creating this performance has been a catalyst for life, a motive that kept me resilient in the face of the current political and socio-economic crisis hitting Lebanon. Photo Patrick Baz



“A’alehom” est une performance solo qui raconte une histoire de perte, de douleur, de violence physique et de révolte. Il s’agit de surmonter les obstacles et de se débarrasser de la victimisation. La création de cette performance a été un catalyseur pour la vie, un objectif qui m’a permis de rester résilient face à la crise politique et socio-économique qui touche actuellement le Liban. Photo Patrick Baz

Alexandre Paulikevitch

A'alehom

Morning Coffee with Alexandre Paulikevitch talking about his performance “A’alehom” that tells a story of loss, pain, physical abuse and revolt. We want to know more and discover things about Alexandre's character, his work experience. An enjoyable and intimate moment away from the spotlights. Photo Pixabay

Morning Coffee avec Alexandre Paulikevitch est une conversation avec l’artiste autour de sa performance «A’alehom» qui raconte une histoire de perte, de douleur, de violence physique et de révolte. On veut en savoir plus et découvrir des choses sur le personnage d'Alexandre, son expérience de travail. Un moment agréable et intime loin des projecteurs. Photo Pixabay

Morning Coffee with Alexandre Paulikevitch

mAPs - migrating Artists Project is a European transmedia cooperation project developed over the period 2019-2022 by DAN.CIN. LAB (Saint-Etienne - FR), COORPI (Turin - IT), MØZ (Athens - GR), TANZRAUSCHEN (Wuppertal - DE) and MALAKTA FILMS (Vaasa - FI), aiming to support 5 artistic teams for the production and distribution of a collection of 5 dance films around the theme POWER, bearing a commitment to strong ethical values, questioning contemporary societal problems and involving communities in its creative process at each stage of its development. Photo Vazhnik (Pexels)

mAPs – migrating Artists Project est un projet européen de coopération transmédia développé sur la période 2019-2022 par DAN.CIN.LAB (Saint-Etienne - FR), COORPI (Turin – IT), MØZ (Athènes – GR)TANZRAUSCHEN (Wuppertal – DE) et MALAKTA FILMS (Vaasa – FI), visant à accompagner 5 équipes artistiques pour la production et la diffusion d'une collection de 5 films dansés autour du thème POUVOIR, porteurs d’un engagement autour de valeurs éthiques fortes, questionnant les problèmes sociétaux contemporains et impliquant les populations dans son processus créatif à chaque étape de son développement. Photo Vazhnik (Pexels)

Saint-Etienne

Dan.Cin.Lab

mAPs e-talk.1 focusing on POWER & FREEDOM

The solo performance “WHO CARES” examines the tensions created between what we regard good for ourselves and for our bodies based on our personal needs and desires and what society imposes and dictates to us. Through the lens of personal identity, gender and ageing it examines how external forces such as social norms, stereotypes and public policies can influence personal perception and actions. The performance combines personal confession with humor and movement to guide us through a physical and emotional journey that speaks to our current moment. Photo Michalis Papamichael


La performance solo «WHO CARES» examine les tensions créées entre ce que nous considérons être  bon pour nous-mêmes et pour notre corps en fonction de nos besoins et désirs personnels et ce que la société nous impose et nous dicte. À travers le prisme de l'identité personnelle, du genre et du vieillissement, il examine comment des impositions externes telles que les normes sociales, les stéréotypes et les politiques publiques peuvent influencer la perception et les actions personnelles. La performance mêle la confession personnelle, l'humour et le mouvement pour nous guider à travers un voyage physique et émotionnel qui parle de notre présent. Photo Michalis Papamichael

Nicosia

Evie Demetriou

WHO CARES

This excursion to the body of the city is an invitation to a walk. This podcast is a participation of listening, questioning and allowing new ways of perceiving and re-experiencing the city that we live in from a different perspective by following the voice guidance. How the city’s obstacles, disturbances, noise and transformations affect our body, can we raise more awareness on these topics? This audio choreography is an alternative way to be together, to act even on an online platform. You will need a phone with internet connection, earphones to listen to the podcast and a city to walk. Photo Taldans

Cette excursion à travers le corps de la ville est une invitation à la promenade. Ce podcast est une participation d'écoute, de questionnement qui permet de nouvelles façons de percevoir et d’expérimenter à nouveau la ville dans laquelle nous vivons sous un angle différent en suivant le guide vocal. Comment les obstacles, les perturbations, le bruit et les transformations de la ville affectent notre corps, pouvons-nous sensibiliser davantage à ces sujets? Cette chorégraphie auditive est une manière alternative d'être ensemble, d'agir même sur une plateforme en ligne. Vous aurez besoin d'un téléphone d’une connexion Internet, d'écouteurs pour le podcast et d'une ville pour y déambuler.  Photo Taldans

Istanbul

Taldans

Audio Choreography: Walk

Filiz Sızanlı and Mustafa Kaplan, the co-founders of Taldans, talk about how they create their performance pieces in relation to the interactions they have established within the city. They will present sequences of videos from "Victory Over the Sun" that was filmed in urban and historical landmarks in Istanbul. The places chosen for the performance relate to the city surrounded by elements such as water, traces left by the urban transformation and the periphery of the city which reveal the identity of the city. Cover Photo Aşkın Elibol, Photo Bram Mönster


Filiz Sızanlı et Mustafa Kaplan, les co-fondateurs de Taldans, expliquent comment ils créent leurs performances en relation avec les interactions qu'ils ont établies au sein de la ville. Ils présenteront des séquences de vidéos de "Victory Over the Sun" qui a été filmé dans des lieux urbains et historiques d'Istanbul. Les lieux choisis pour le spectacle concernent la ville entourée d'éléments tels que l'eau, les traces laissées par la transformation urbaine et la périphérie de la ville qui révèlent l'identité-même de cette ville. Cover Photo Aşkın Elibol, Photo Bram Mönster


Taldans on Taldans

This panel seeks to create an encounter between three of such fields that record, visualize, and advocate around the recent urban and environmental shifts in Istanbul: environmental science, architecture, and documentary film. With İrem Daloğlu, Sinan Logie, and İmre Azem, it will be a discussion around how each approach sensitizes anthropo-scenic change in Istanbul and beyond. With a choreographic perspective in mind, we will ask how each discipline takes human and non-human mobility as methods and objects of study. The public is welcome to this conversation between art, science and activism during these exchanges that will question the best practices for creatively representing and supporting our patches of coexistence. Photo Taldans

Ce panel cherche à créer une rencontre entre trois domaines qui enregistrent, visualisent et défendent les récents changements urbains et environnementaux survenus à Istanbul: la science de l'environnement, l'architecture et le film documentaire. Avec İrem Daloğlu, Sinan Logie et İmre Azem, il s’agira d’une discussion autour de la manière dont chaque approche rend sensible le changement anthropo-scénique à Istanbul et au-delà. Dans une perspective chorégraphique, nous nous demanderons comment chaque discipline prend la mobilité humaine et non humaine comme méthodes et objets d'étude. Le public est le bienvenu dans cette conversation entre l'art, la science et l'activisme lors de ces échanges sur les meilleures pratiques pour représenter et soutenir de manière créative nos patchs de coexistence. Photo Taldans

Demonstrating Istanbul's Anthropocene

Walkthrough is a shared walk through the city, a flaneur experience across cities through a digital connection that makes a physical change somewhere else in the world. It explores the body as space, as part of the cityscape, through a real body that becomes an avatar for those who aren’t there. It reflects on the various shapes, faces, relations that make up the cityscape, embracing miracles of chance encounters. Photo tibia x fibula

Walkthrough est une promenade partagée à travers la ville, une expérience de flânerie à travers les villes grâce à une connexion numérique qui produit un changement physique ailleurs dans le monde. Il explore le corps en tant qu'espace, dans le cadre du paysage urbain, à travers un corps réel qui devient un avatar pour ceux qui ne sont pas là. Il réfléchit sur les différentes formes, visages, relations qui composent le paysage urbain, embrassant les miracles des rencontres fortuites. Photo tibia x fibula

İzmir

tibia x fibula

Walkthrough: Intersections

In my ethnicity - Éwé - the formation of musical polyrhythm encompasses not only sound aspects but also motion, with each dancer acting as an additional layer of the musical polyrhythm. Polycentrism intertwines in this game where one becomes a flux of patterns as if they had a life of their own. The performance dives into this intimate relation with multiple vibrations, waves and frequencies as polyrhythm-graphy. Through it, I sculpt sound, become rhythm and chew a decolonial concept of choreography. Photo Christiane da Cunha

Dans mon appartenance ethnique - Éwé - la formation de la polyrythmie musicale englobe non seulement les aspects sonores mais aussi le mouvement, chaque danseur agissant comme une couche supplémentaire du polyrythme musical. Le polycentrisme s'entremêle dans ce jeu où l'on devient un flux de motifs comme s'ils avaient une vie propre. La performance plonge dans cette relation intime avec de multiples vibrations, ondes et fréquences comme la polyrythmie-graphie. À travers elle, je sculpte le son, je deviens rythme et je mâche une conception décolonialisée de la chorégraphie. Photo Christiane da Cunha

Rio de Janeiro

Cie Kawin

Polyrhythm-graphy

Can a glance completely alter the course of an entire life? Can an encounter be able to change an entire existence? This year Italy and the whole world are preparing to commemorate the seven hundred years since the death of Dante Alighieri. The Supreme Poet, universally known for The Divine Comedy, is also the poet whose love for Beatrice was so great to have become a literary topos. A platonic love that is staggering, transcendental, and never realized. Roberta Ferrara, inspired by the work "Vita Nova" (The New Life), approaches this staggering intensity by internalizing it and transmitting it through her language. A choreography made of looks, rises, falls, chases, arms extended in an embrace never completed, a search never satisfied but full of that yearning that "moves the sun and the other stars", that moves bodies and even more, reaching the Beyond which one cannot speak, but only feel, and make us vibrate together.

Est-ce que un regard peut changer complètement le cours de toute une vie? Est-ce qu’une rencontre peut changer toute une existence? Cette année, l’Italie et le monde entier se préparent à commémorer les sept cents ans de la mort de Dante Alighieri. Le Poète Suprême, universellement connu pour La Divine Comédie, est aussi le poète dont l’amour pour Béatrice était si grand qu’il en est devenu un topos littéraire. Un amour platonique stupéfiant, transcendant et jamais réalisé. Roberta Ferrara, inspirée par l’œuvre "Vita Nova" (La Nouvelle Vie), approche cette intensité stupéfiante en l’intériorisant et en la transmettant à travers son langage. Une chorégraphie faite de regards, de levés, de chutes, de poursuites, de bras tendus dans une étreinte jamais achevée, une recherche jamais satisfaite mais pleine de ce désir qui "déplace le soleil et les autres étoiles", qui déplace les corps et plus encore, en atteignant l’Au-delà que on ne peut pas expliquer, mais seulement sentir, et nous faire vibrer ensemble.

Bari

COMMUNITY IN CIRCLE: At First Glance

The project was created to allow Art and Culture to continue the work of increasing and promoting beauty by going beyond the limits imposed by the current restrictions of Covid-19.
The project is characterized by a mini-bus "La CARAVAN", to perform a tour in the Puglia region, which brings dance and its aggregation potential to the place, to create in unusual places, open air and freely usable by audiences of all ages, an ideal street theater, a space for creativity and art that comes to life when the bus arrives in chosen places, with artists and workers on board.



Le projet a été créé pour permettre à Art et Culture de poursuivre un travail d'augmentation et de promotion de la beauté en dépassant les limites imposées par les restrictions actuelles de Covid-19.
Le projet se caractérise par un mini-bus "La CARAVANE", qui effectue un tour dans la région des Pouilles, et qui apporte la danse et son potentiel d'agrégation sur place, pour créer dans des lieux insolites, en plein air et facilement utilisable par le public de tous les âges, un théâtre de rue idéal, un espace de créativité et d'art qui prend vie lorsque le bus arrive sur les places choisies, avec des artistes et des travailleurs à bord.


Ezio Schiavulli

COMMUNITY IN CIRCLE: Caravan Electrique

LAZZARO is a site specific performance born from an idea by Giulio De Leo and developed in close collaboration with Erika Guastamacchia. The performance, initially intended for the production of video content, has shown an incisive character from the very first rehearsals in the relationship with urban places, museums, and cultural attractions, thus finding an unexpected site-specific performative dimension. LAZZARO reflects on the body's ability to regenerate movement starting from the fundamental vital acts, according to an organic logic of listening. A body lying on a table and revived by dance becomes the fulcrum of identity for the new community that gathers to watch over it.

LAZZARO est une performance hors les murs née d'une idée de Giulio De Leo et développée en étroite collaboration avec Erika Guastamacchia. La performance, initialement destinée à la production de contenu vidéo, a montré dès les premières répétitions un caractère incisif dans la relation avec les lieux urbains, les musées et les attractions culturelles, trouvant ainsi une dimension performative inattendue propre aux lieux. LAZZARO réfléchit sur la capacité du corps à régénérer le mouvement à partir des actes vitaux fondamentaux, selon une logique organique de l'écoute. Un corps allongé sur une table et ressuscité par la danse devient le pivot de l'identité de la nouvelle communauté qui se rassemble pour veiller sur lui.

Menhir Dance Company

COMMUNITY IN CIRCLE: LAZZARO

WHERE THE SEA BEGINS will be a moment of sharing and exchange online. Artists and operators will be questioned about their perspectives and visions for the future of dance and performative arts in general. The topics of discussion will evolve around the values we find in transmission, crisis as a new departure, togetherness, creativity and change. The meeting will be moderated by Stefania Di Paolo and it will involve Elisa Barucchieri, Giulio De Leo, Petra Hrascanec, Sanna Myllylahti, Albert Quesada and Omar Rajeh.

OÙ LA MER COMMENCE sera un moment de partage et d'échange en ligne. Les artistes et les opérateurs seront interrogés sur leurs perspectives et leurs visions pour l'avenir de la danse et des arts performatifs en général. Les sujets de discussion évolueront autour des valeurs que l'on retrouve dans la transmission, la crise comme nouveau départ, la solidarité, la créativité et le changement. La réunion sera animée par Stefania Di Paolo et aura pour invités Elisa Barucchieri, Giulio De Leo, Petra Hrascanec, Sanna Myllylahti, Albert Quesada et Omar Rajeh.

Where the Sea Begins

Bodies are called to smooth their borders and orient themselves in space to generate relationship and meaning. The choreographic speech unfolds fluid and dynamic, marked by proximity, pauses, crossings and suspensions. GENESI moves towards the historical and cultural Mediterranean horizon and questions the dynamics of flows and the relationship with the inhabited space, as a space for crossing / welcoming and ownership / resistance. Everything happens in a circular space, a place that gathers and calls to gather, in which to be observed and from which to look at the world. A circle with immaterial, permeable and sound boundaries, cared by the two musicians. Photos Cinzia Cantatore

Les corps sont appelés à lisser leurs frontières et à s'orienter dans l'espace pour générer des relations et du sens. Le discours chorégraphique se déroule fluide et dynamique, marqué par la proximité, les pauses, les croisements et les suspensions. GENESI se dirige vers l'horizon historique et culturel méditerranéen et questionne la dynamique des flux et le rapport à l'espace habité, comme espace de croisement / accueil et d'appropriation / résistance. Tout se passe dans un espace circulaire, un lieu qui rassemble et appelle à se rassembler, dans lequel être observé et à partir duquel regarder le monde. Un cercle aux frontières immatérielles, perméables et sonores, soigné par les deux musiciens. Photos Cinzia Cantatore

GENESI

 A Journey to Jerusalem, also known as Trip to Jerusalem, is a dance production project inspired by the famous children’s game of “Musical Chairs”. The game stands for a metaphor for conflict over space and the right to own and remain in it. The aim is to communicate the impact of the Palestinian conflict on the individual through movements. It touches on the impact of conflict and on how people move by looking at the similarities and differences in Palestinian folk dance in different areas experiencing various forms of warfare and struggle. Photo Alaa’ Ali Abdallah

A Journey to Jérusalem, également connu sous le nom de Trip to Jérusalem, est un projet de production de danse inspiré du célèbre jeu pour enfants les «chaises musicales». Le jeu représente une métaphore du conflit sur l'espace et du droit de le posséder et d'y rester. L'objectif est de communiquer l'impact du conflit palestinien sur l'individu à travers les mouvements. Il aborde l'impact des conflits et la façon dont les gens se déplacent en examinant les similitudes et les différences entre les danses folkloriques palestiniennes dans différentes régions connaissant diverses formes de guerre et de lutte. Photo Alaa’ Ali Abdallah

Ramallah

Stereo 48

Journey to Jerusalem | RCDF 2021

Journey to Jerusalem

This is the first episode of False Awakening which is a short-form dance series consisting of 3 episodes and based on the musical piece by Palestinian producer “Boycott”. The series revolves around the idea of repression and restrictions through the story of a girl stuck between dream and reality, in a daydream that keeps on looping. Photos Alaa Ali Abdallah

Il s'agit du premier épisode de False Awakening est une série de danse à forme courte constituée de 3 épisodes et basée sur la pièce musicale du producteur palestinien «Boycott». La série tourne autour de l’idée de répression et de restrictions à travers l'histoire d'une fille coincée entre rêve et réalité, dans un rêve éveillé qui n’arrête pas de tourner en boucle. Photos Alaa Ali Abdallah

False Awakening E1 | RCDF 2021

False Awakening E1

The motif of the ‘doppelganger’ is both irritating and fascinating at the same time: his appearance confounds the boundaries between oneself and others. The ‘doppelganger’  questions concepts of similarity and difference, problematizes the subject and its identity. This piece was originally danced as a solo for two women synchronous in two parallel worlds and will now be performed by two male dancers of her current ensemble. »isson« means ‘same’ in Greek and is dedicated to contrasts, reality and illusion, light and shadows, restlessness and peace. Two realities that cannot be separated. Photo Dieter Hartwig


Le motif du ‘doppelganger’ est à la fois irritant et fascinant : son apparence brouille les frontières entre soi et les autres. Le ‘doppelganger’ questionne les concepts de similarité et de différence, problématise le sujet et son identité. Cette pièce, initialement dansée comme un solo pour deux femmes synchronisées dans deux mondes parallèles, sera désormais interprétée par deux danseurs masculins de l´ensemble actuel. »isson« signifie ‘même’  en grec et est dédié aux contrastes, à la réalité et à l'illusion, à la lumière et aux ombres, à l'agitation et à la paix. Deux réalités qui ne peuvent être séparées. Photo Dieter Hartwig

Berlin

cie. toula limnaios

isson – a solo for two men | RCDF 2021

isson – a solo for two men

Three is the number of dancers you will discover on stage, three women who began this story in 2016, during a first version of the play. Four years later, they deliver a refined version of extreme intensity in which they appear to confront an enemy that haunts the emptiness of the stage and on which they convey the strengths and weaknesses that drive them.
3. is not an army, and yet these three women carry within them a whole arsenal that enshrouds us and rallies us to their cause. With this piece the choreographers aimed to present the portrait of three women for whom dance is a weapon of resistance and a means of emancipation. Photo Jonathan Imhof

Trois, c’est le nombre de danseuses que nous découvrons sur scène, trois femmes qui ont débuté cette histoire en 2016, lors d’une première version de la pièce. Quatre ans plus tard, elles nous livrent une version épurée, d’une extrême intensité. Elles semblent venir en découdre avec un ennemi qui hante le vide du plateau, sur lequel elles transportent les forces et les fragilités qui les animent.
3., ce n’est pas une armée, et pourtant ces trois femmes portent en elles tout un arsenal qui nous enveloppe et nous rallie à leur cause. Les chorégraphes souhaitent montrer avec cette pièce le portrait de trois femmes pour qui la danse est une arme de résistance et d’émancipation. Photo Jonathan Imhof

Annemasse

Cie 7273

3. | RCDF 2021

A talk about the state of dance in Alexandria is a round table gathering a group of artists involved in the local scene, young emerging dancers and cultural operators to discuss the actual state of dance in Alexandria, addressing the question of a possible emerging dance scene in the city, versus an existing dance community. Cover Photo ©MSoody

A talk about the state of dance in Alexandria est une table ronde réunissant un groupe d'artistes impliqués dans la scène locale, de jeunes danseurs émergents et des opérateurs culturels pour discuter de l'état actuel de la danse à Alexandrie, abordant la question d'une possible scène de danse émergente dans la ville face à une communauté de danse existante. Cover Photo ©MSoody

Alexandria

Centre Rézodanse Egypte

A talk about the state of dance in Alexandria

A Walk by the Sea is a guided walking tour in Alexandria, showing the uniqueness of the Alexandrian urban identity, encountering with the people in the city, and members of the arts and the cultural community, visiting cultural and artistic venues and different operators and directors which contribute to the movement of dance in Alexandria. Photo MSoody

A Walk by the Sea est une visite guidée à pied d'Alexandrie, montrant le caractère unique de l'identité urbaine alexandrine, rencontrant les habitants de la ville et les membres des arts et de la communauté culturelle, visitant des lieux culturels et artistiques et différents opérateurs et directeurs qui contribuent au mouvement de la danse à Alexandrie. Photo MSoody

A Walk by the Sea

An insight through the different locations of the city, and the relation of the bodies to the space, revisiting the recent memory of working in public spaces, through the interpretation of the current impossibility… improvised moments highlighting the presence of a young generation of dancers in Alexandria urging to venture the field of dance amidst a very limiting context, especially in public spaces. Photo Kirllos Yousif

Un aperçu à travers les différents lieux dans la ville, et la relation des corps à l'espace, revisitant la mémoire récente du travail dans l’espace public, à travers de l'interprétation de l'impossibilité actuelle ... des moments improvisés mettant en évidence la présence d'une jeune génération de danseurs à Alexandrie invite à s'aventurer dans le domaine chorégraphique dans un contexte très contraignant, notamment en espace public. Photo Kirllos Yousif

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For the opening of BIPOD 2020 the directors of the Beirut International Platform of Dance, Mia Habis & Omar Rajeh, would like to address their audience on this 16th edition, which is taking place in very special circumstances and times. 

They will be joined by dance activist Peggy Olislaegers who accompanied Omar and Mia through the whole concept of this year's edition, sharing a space for thoughts and the three of them wanted to extend the invitation to all the guests speakers of BIPOD 2020. 

On this opening, 10 international guest artists will individually share a concern about culture, society, dance, thought, risk, and relationships.

Simultaneous translation available FR/EN.

Pour l'ouverture du BIPOD 2020, les directeurs de la Plateforme internationale de danse de Beyrouth, Mia Habis & Omar Rajeh, souhaitent s'adresser à leur public à l'occasion de cette 16e édition, qui se déroule dans des circonstances et des moments très particuliers.

Ils seront rejoints par la militante de la danse Peggy Olislaegers qui a accompagné Omar et Mia à travers tout le concept de l'édition de cette année, partageant un espace de réflexion au bout duquel ils ont voulu étendre l'invitation à tous les invités de BIPOD 2020.

Lors de cette ouverture, 10 invités exceptionnels partageront individuellement une préoccupation concernant la culture, la société, la danse, la pensée, le risque et les relations.

Traduction simultanée FR/EN.

BIPOD 2020 Opening | Concerns Out Loud

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